Las tres cosas prohibidas en una película de Disney

Pinocho fumando

Todos sabemos que el hecho de que una película sea de Disney ya le otorga un aura especial y que, por esa razón, hay cosas que seguramente no va a incluir. Aunque también sabemos que en varias películas de Disney hay escenas tan perturbadoras que jamás las vamos a olvidar. Las muertes de padres en “Bambi” o en “El Rey León”, por ejemplo, o la escena del incinerador en “Toy Story 3”. De todos modos, la fama de Disney es la de ser un imperio del entretenimiento homogeneizado.

De acuerdo con David Lowery, director de “Pete’s Dragon” (conocida en Latinoamérica como “Mi amigo el dragón”), hay tres cosas que no pueden aparecer en una película de Disney: gente decapitada, gente empalada, y gente fumando. Lowery asegura que estas tres cosas figuran en el contrato como aquello que está prohibido mostrar.

Son restricciones bastante actuales, en realidad, porque en “Pinocho”, que es de 1940, el muñeco aparecía fumándose un tremendo cigarro. Y en “La sirenita”, de 1989, la villana Úrsula era empalada por el mástil de un barco. No queda claro si estas prohibiciones aplican a películas animadas o a todas, y si se incluyen en los contratos de los estudios asociados a Disney (como Marvel o Pixar).

Lo más probable es que esto dependa de la calificación de la película como apta para todo público o con ciertas restricciones para menores. De todos modos, ya en 2015 Disney anunció que prohibía mostrar gente fumando en absolutamente todas sus películas, a menos que fuera “históricamente pertinente”. Así que si van a proponer una producción a Disney, ya saben.

(Fuente: Ain’t It Cool News)

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Eurostile: la tipografía del futuro

tipografia

Algunas películas de ciencia ficción nos prometieron autos voladores, otras no. Según ciertos filmes, en el futuro todos nos vamos a vestir del mismo modo, según otros no. Pero lo que sí parecen asegurar todas las obras del género, es que en el futuro solo se va a usar una tipografía: la Eurostile.

La fuente fue creada por el diseñador italiano Aldo Novarese en 1962. Por qué será adoptada por el mundo en las próximas décadas, no se sabe. Pero aquí están las pruebas:

 

alien 3

Alien 3

back to the future

Back to the Future

big hero 6

Big Hero 6

District 9

District 9

edge of tomorrow

Edge of Tomorrow

Elysium

Elysium

Johnny Mnemonic

Johnny Mnemonic

Jurassic World

Jurassic World

Pacific Rim

Titanes del Pacífico

Robocop

Robocop

star trek discovery

Star Trek: Discovery

starship troopers

Starship Troopers

the incredibles

Los Increíbles

total recall

Total Recall

Walle

Wall-E

(Fuente: Cracked)

 

Los nueve viejos de Disney

EPSON MFP image

Resulta que Franklin D. Roosevelt, presidente de los EE.UU. entre 1933 y 1945, alguna vez dijo que los jueces de su Corte Suprema eran los “nueve viejos”, ya que se preguntaba si estos nueve señores no estaban un poco fuera de onda con su tiempo. Walt Disney tomó prestada la expresión para referirse a sus nueve principales animadores, tipos que no solo no estaban fuera de onda sino que fueron quienes desarrollaron la industria con su técnica innovadora. Sus nombres no son conocidos; lo que hicieron sí, y mucho. Miren, si no:

  • Les Clark

El comienzo de la carrera de Clark en Disney es curioso. El hombre era estudiante del secundario y trabajaba en un restaurante frecuentado por Walt y Roy Disney. Un día, Clark los estaba atendiendo y directamente le pidió trabajo a Walt; este le contestó que primero debía ver algo de su trabajo. Clark se puso a copiar caricaturas y se las llevó a Disney. Walt le dijo que le gustaba la línea de Clark, y que se presentara a trabajar el siguiente lunes; a Clark esto le venía muy bien porque se recibió el jueves previo: cuatro días después estaba trabajando en Disney. ¿Qué hizo allí? Para empezar, ayudó al legendario animador Ub Iwerks en sus primeros cortos de Mickey. Después trabajó en algunos personajes que tal vez recuerden: Pinocho, los enanos de Blancanieves, Alicia, Peter Pan, el Mickey hechicero de “Fantasía”, Cenicienta, y más.

  • Marc Davis

En 1935, Marc Davis buscaba trabajo como dibujante de periódicos y se enteró de que Disney Studios estaba contratando ilustradores. No tenía ninguna experiencia como animador, pero Disney quedó muy impresionado con sus bocetos de anatomía y movimiento de animales, así que lo contrató como aprendiz de animador para “Blancanieves y los siete enanitos”. Davis hizo una tremenda carrera en Disney; colaboró en el desarrollo de Bambi, Campanita, Maléfica, Cruela de Vil, entre otros personajes.

  • Ollie Johnston

Johnston ingresó a Disney junto con Marc Davis en 1935, y también lo hizo como aprendiz de animador. Uno de sus primeros proyectos fue el corto “La tortuga y la liebre”, de la serie Silly Symphonies, que ganó un Oscar al mejor corto. Después trabajó en personajes de largometrajes como “Robin Hood”, “Peter Pan”, “La Bella Durmiente” y “Bambi”.

  • Milt Kahl

Kahl es otro que pretendía trabajar como ilustrador en un periódico, pero vio en el cine el corto “Los Tres Cerditos” de Disney y decidió probar con la animación. Entró en la compañía como animador asistente en 1934, y llegó a trabajar en los personajes de estas películas: “Cenicienta”, “Mary Poppins”, “101 Dálmatas”, “El Libro de la Selva”, “Robin Hood” y “Bernardo y Bianca”. Otra razón por la que es conocido es su célebre ahijado artístico, nada menos que Brad Bird, director de “Los Increíbles” y “Ratatouille”, ambas de Pixar. Resulta que a los 13 años (!) Bird le envió su primer corto animado a Milt Kahl; era una remake de “La Tortuga y la Liebre”. Kahl, muy impresionado, tomó al joven Bird a su cargo.

  • Ward Kimball

Al igual que Milt Kahl, Kimball también decidió probar su suerte en la animación después de ver “Los Tres Cerditos”; antes, trabajaba como ilustrador en revistas. Se recibió en la Santa Barbara School of Art y en 1934 ingresó a Disney, donde trabajó en prácticamente todas las películas animadas hasta que se jubiló en 1972. Uno de los filmes en los que desarrolló más personajes fue el clásico “Alicia en el País de las Maravillas”. Otro de los aspectos que lo destacó fue su sentido del humor: parece que le encantaba propagar el famoso rumor de que Walt Disney se había hecho congelar. No lo decía directamente, pero afirmaba que a Disney le interesaban la ciencia y los experimentos, por lo que no resultaría extraño que lo hubiera hecho.

  • Wolfgang Reitherman

La carrera de este hombre es por lo menos curiosa: él quería ser ingeniero aeronáutico hasta que se enamoró de la técnica de la acuarela. En consecuencia cambió de escuela y entró en el Chouinard Art Institute de Los Ángeles; allí tuvo un profesor que también dictaba clases en el Walt Disney Studio. Reitherman se incorporó a la empresa en 1933 y trabajó en personajes de las películas “Peter Pan”, “Fantasía”, “Blancanieves” y “Pinocho”.

  • Frank Thomas

Ya desde chico, cuando tenía 9 años, Thomas quería ganar dinero dibujando. Ingresó a Disney en 1934 y lo primero que hizo fue trabajar en un corto de Mickey. Luego participó en los largos “Cenicienta”, “El Sastrecillo Valiente”, “Mary Poppins”, “La Dama y el Vagabundo” (fue el que hizo la famosa secuencia en que los protagonistas comen spaghettis), “El Libro de la Selva” y “Peter Pan”. Además, escribió junto con Ollie Johnston el libro “The Illusion of Life: Disney Animation”, para muchos la Biblia de los animadores. Thomas y Johnston son los ancianos que aparecen al final de la película “Los Increíbles” diciendo que lo que acaban de ver es “vieja escuela”.

  • Eric Larson

A Larson le gustaba dibujar y, a partir del consejo de un amigo, envió sus trabajos a Disney; cuando se retiró, en 1986, había completado una de las carreras más extensas en la compañía: nada menos que 52 años. Trabajó en filmes como “La Dama y el Vagabundo”, “La Espada en la Piedra”, “Los Aristogatos”, y Winnie the Pooh”. Es muy conocido por el programa de reclutamiento y entrenamiento que implementó en Disney, de donde salieron figuras como John Lasseter, Brad Bird, Don Bluth, Tim Burton, Glen Keane, Henry Selick, Andreas Deja y Ron Clements, entre muchos otros.

  • John Lounsbery

Igual que muchos otros de los “nueve viejos”, Lounsbery se graduó en un instituto de arte y luego se unió a Disney, donde es especializó en cortos animados del perro Pluto. También trabajó en “101 Dálmatas”, “Fantasía” (fue el responsable de los hipopótamos y el caimán), “Dumbo”, “Alicia en el País de las Maravillas”, entre otros. Lounsbery siempre fue el más callado de los viejos de Disney, y mantuvo un muy bajo perfil. Decía que él y Disney tenían un acuerdo: Walt lo juzgaba por lo que producía y no esperaba que hablara mucho en las reuniones creativas.

(Fuentes: Mental Floss; “The Nine Old Men: Lessons, Techniques, and Inspiration from Disney’s Great Animators”, de Andreas Deja)

Logos por el cine II: logos de películas

butacas

Hace un tiempo escribí una nota sobre el origen de los logos de los principales estudios de Hollywood. En este especie de secuela, comparto la historia de los logos de algunas películas, logos tan reconocibles que prácticamente son sinónimos de esos filmes. Aclaración: decidí dejar los nombres de las películas en el inglés original en lugar de sus casi siempre torpes traducciones. Veamos:

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Los Cazafantasmas (1984)

Esta película ni siquiera tenía nombre oficial cuando el célebre logo fue diseñado. El director, Ivan Reitman, le encargó al diseñador Michael C. Gross una imagen para una comedia paranormal que estaba desarrollando; el problema, explicó Reitman, era que el estudio tenía que llegar a un arreglo con la compañía Filmation, que había creado una serie para chicos llamada The Ghost Busters en 1975. Hasta que el tema legal se resolviera, el póster teaser tenía que bastarse solo para promover la película sin nombre.

Gross se basó en la descripción del logo en el guion de Dan Aykroyd, que aparecía en el auto y los uniformes de los protagonistas, y bocetó unas 30 versiones hasta que llegó al fantasma con el signo de “prohibido”. La empresa Harvey Comics, que publicaba las aventuras del fantasma Casper, sostuvo que el fantasma de Gross se parecía demasiado a un personaje secundario de la tira, llamado Fatso, y le hizo juicio al estudio Columbia Pictures: las dos partes llegaron a un acuerdo. Gross no se mostró preocupado por la acusación. “No hay muchas maneras de dibujar la caricatura de un fantasma”, declaró.

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Jackass: The Movie (2002)

El logo de la calavera y las muletas apareció originalmente en la serie de MTV entre 2000 y 2002, y representa, desde luego, el espíritu anárquico de Johnny Knoxville y su grupo de dementes. Fue una creación del director Jeff Tremaine y el diseñador gráfico Andy Jenkins.

Lo curioso es que el logo adquirió un significado diferente para un grupo de narcotraficantes: en 2009, la policía de Tijuana detuvo a tres sospechosos de asesinato luego de advertir agujeros de bala en el costado de su auto. Dentro del auto encontraron 15 uniformes negros decorados con el logo de “Jackass”. En 2012 el periódico San Diego Reader informó que la imagen era usada por el narcotraficante Ravdel “El Muletas” López Uriarte para identificar tanto a sus embarques de drogas como a sus empleados.

Batman-Logo

Batman (1989)

Cuando Tim Burton encaró su adaptación del cómic, la última vez que Batman había sido llevado a la pantalla había sucedido en 1966 con la serie protagonizada por Adam West. El productor Jon Peters quería distanciarse del tono cómico y burlón de la serie para dejar establecido que esta versión era más seria y oscura; entonces le encargó al diseñador de la película, Anton Furst, que replanteara el logo original de Batman para sacar pósters teaser. Peters detestó las primeras versiones del logo, afirmando que parecían avisos para cualquier filme de acción; ordenó a Furst que dejara todo lo que estaba haciendo para concentrarse en esta imagen.

Furst empezó a trabajar con la agencia B.D. Fox y lo primero que hizo fue descartar el fondo amarillo del emblema original de los cómics. Crearon un dorado brillante con líneas bien definidas que resultaba familiar y, al mismo tiempo, diferente. La imagen fue tan exitosa que se usó en la enorme línea de merchandising de la película y sus secuelas.

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Filmes de James Bond (1962 hasta la actualidad)

El logo de 007 es hoy un ícono mundial. Sin embargo, la intención primitiva era limitar su uso al encabezado de un papel carta (!). United Artists contrató al diseñador Joseph Caroff para que creara una imagen con la que el estudio pudiera identificar sus comunicados de prensa a los medios. Caroff decidió no usar el nombre James Bond sino su clasificación como agente con licencia para matar. Mientras lo dibujaba, se dio cuenta de que el 7 bien podía ser la parte de un arma y le agregó la silueta de un revólver Beretta. Le pagaron 300 dólares. (Sí, 300 dólares.)

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The Silence of The Lambs (1991)

El icónico póster para la adaptación de la novela de Thomas Harris sobre el asesino serial Hannibal Lecter, tiene varias dimensiones. La polilla que figura en la imagen es real: se la conoce como “la cabeza de la muerte”, es nativa de Europa, y tiene lo que parece ser una calavera en el lomo. Pero una mirada más atenta descubre que el diseño fue alterado para que rinda homenaje a la fotografía “In Voluptas Mors”, tomada por Salvador Dalí en 1951, y que muestra a siete mujeres desnudas entrelazadas.

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Jurassic Park (1993)

La silueta del esqueleto de un T. Rex acechando a su presa fue creada por el famoso diseñador Chip Kidd, especialista en tapas de libros, y la realizó cuando trabajaba en la editorial Knopf. El diseño de Kidd para la primera edición de la novela de Michael Crichton se aplicó sobre fondo rojo y se usó en el material promocional de la película de Spielberg. Kidd recuerda que fue al Museo de Historia Natural, y en la tienda encontró un libro que mostraba un diagrama del esqueleto de un T. Rex, lo redibujó y después lo vio convertirse en sinónimo de las películas de la serie y de los dinosaurios en general durante los siguientes 25 años.

Kidd dijo que el departamento de marketing de los estudios Universal llamó a Knopf pidiendo permiso “por si decidían usar la imagen” en la publicidad del filme. Tom Martin, diseñador del póster, usó la ilustración de Kidd con el agregado de tipografía y un pequeño fondo de jungla debajo para ayudar a precisar la escala del dinosaurio. Para la segunda novela, “The Lost World”, Kidd solo dio vuelta la cara del T. Rex para que mire hacia abajo.

(Fuente: Mental Floss)

Los Muppets y la publicidad

Wilkins-Camera

Como no podía ser de otra manera, Jim Henson, célebre creador de los Muppets, también tiene una conexión con la publicidad, y es una conexión muy importante.

Resulta que entre 1957 y 1961, Henson produjo una serie de comerciales para el café Wilkins, un producto regional distribuido en la zona de Baltimore y Washington D.C. ¿Cuántos comerciales produjo? Nada menos que 179 (sí, ciento setenta y nueve). Los avisos duraban solo 10 segundos, ya que los canales locales solo contaban con ese tiempo para su identificación; los comerciales, en consecuencia, debían ser muy veloces: 8 segundos para la historia y 2 segundos para el pack shot final.

Lo más extraño, sin embargo, es el tono sádico de estos avisos. Siempre aparecía un fanático del café Wilkins llamado, con cierta obviedad, Wilkins, muy parecido a la posterior Rana René, o Kermit the frog. Wilkins se enfrentaba con Wontkins, quien se negaba a beber el producto (nótese que “will” significa “lo haré” y “won’t” quiere decir “no lo haré”). Wilkins, entonces, lo atacaba de varias maneras: le disparaba, lo apuñalaba, lo aplastaba, etc.

En el primero de esta serie de comerciales, Wilkins está detrás de un cañón y Wontkins delante. Wilkins le pregunta qué opina del café y Wontkins responde que nunca lo probó; el otro dispara el cañón y hace volar a Wontkins por el aire. Luego apunta el cañón hacia el televidente para terminar el aviso preguntando “Y ustedes, ¿qué piensan de Wilkins?”

Henson explicó luego que hasta ese momento las agencias de publicidad creían que la venta dura era la única manera de comunicar un mensaje en televisión, y que ellos intentaron “vender productos haciendo reír a la gente”.

La campaña fue un éxito inmediato y los avisos se convirtieron en los más populares de la zona de Washington. Tanto, que Henson los filmó nuevamente para otras marcas de café regionales y también para marcas de pan, leche y gaseosas. La agencia de publicidad de Henson tenía ya más de una docena de clientes y, según él mismo contó después, estaba haciendo una fortuna.

Hoy, muchos de esos comerciales están disponibles en YouTube. Vale la pena verlos, no solo por su valor como documento publicitario sino también por la presencia de esos personajes que, después, conoceríamos como los Muppets.

(Fuente: Open Culture)

La única palabra prohibida en Star Trek

god star trek

Se viene “Star Trek: Discovery”, una nueva serie basada en la mitología Star Trek, y es una excelente excusa para recordar algunas de las ideas del creador de la saga, Gene Roddenberry.

El hombre planteó algunas reglas para el universo que inauguró la serie original: sostuvo que las tripulaciones debían ser diversas en cuanto a su etnicidad (de hecho, la “Star Trek” original incluyó el primer beso interracial de la televisión estadounidense), que los personajes no debían interferir con otras culturas, y que no debía haber conflictos personales serios a bordo de la nave.

Y había otra regla, incluso más revolucionaria para la época del estreno: la palabra “Dios” nunca debía ser mencionada en el programa. La idea de Roddenberry era que en el siglo 23, la civilización estaría basada en la ciencia y por lo tanto la religión básicamente no existiría. Esta regla no solo significaba que la religión no formaría parte de las historias, sino que hasta estaba prohibido decir frases casuales como “Ay, Dios”, o “Por el amor de Dios”. Si alguno de los actores improvisaba alguna de esas expresiones, se cortaba la escena.

Curiosamente, algunas de las películas con la tripulación original no siguieron esta regla al pie de la letra; cuando Kirk hace explotar el Enterprise le dice a McCoy: “My God, Bones, what have I done?” Y el quinto filme de la serie, la muy floja “Star Trek V: The Final Frontier”, directamente se trata de la búsqueda de Dios, o de quienes ellos suponen que es Dios (no, no lo es).

Los creadores de la nueva serie no prometen adherir con fidelidad a estas reglas de Roddenberry, en particular la de que no haya conflictos entre los tripulantes. Veremos si siguen el resto de las premisas, incluyendo la palabra prohibida.

(Fuentes: Mental Floss, Entertainment Weekly)

Un video viral realizado hace 61 años

design for dreaming

En 1956, General Motors estrenó un video llamado “Design for Dreaming” (“Diseño para soñar”), parte de una serie de cortos que la compañía realizó para promover Motorama, un evento anual en el que mostraban no solo autos sino también su visión del futuro. Ese año, Motorama se llevó a cabo en un enorme espacio en el hotel Waldorf Astoria de Nueva York. La intención de la película era publicitar este evento, y sus posteriores versiones en el resto de los Estados Unidos. “Design for Dreaming” hizo todo eso, pero también tenía algo que lo separaba de cualquier otro video promocional de la época –y de cualquier época, ya que estamos. Desde su aparición, el cortometraje, que dura poco más de 9 minutos, se ha usado en videos musicales, documentales y películas. Se ha convertido, en suma, en una película de culto.

Todo el video es un musical. Comienza con una mujer (Tad Tadlock, protagonista y coreógrafa de la pieza) dormida en su habitación. Un hombre enmascarado sale de un ropero y la invita al show Motorama en el Waldorf. Mágicamente ella recibe un vestido de gala y, ya en el show, ve los nuevos modelos de General Motors: un Corvette, un Buick, un Pontiac. El enmascarado le promete un auto de cada uno de estos modelos, pero a la mujer le aparece un delantal de cocina por encima del vestido y se desmaya. Un hombre grita “¡Llévenla a la cocina, rápido!”, luego de lo cual ella se despierta en una cocina futurista (parte de la muestra de Motorama) y se maravilla ante los electrodomésticos modernos. La mujer inserta una tarjeta en una ranura, presiona un par de botones y, como por arte de magia, sale una torta de cumpleaños. Ella sopla las velas y es transportada de nuevo al Waldorf. La película termina con ella y el enmascarado, ahora sin máscara, viajando en la “autopista eléctrica del futuro”.

Design for Dreaming 2

El video fue dirigido por un tal William Beaudine. Aunque no lo conozcan (y yo tampoco) el tipo es uno de los directores más prolíficos de la historia de Hollywood: entre 1915 y 1936, Beaudine dirigió casi 350 filmes. Algunos más o menos conocidos, como “Lassie” y “Las aventuras de Rin Tin Tin”. Otros muy ignotos pero que tienen nombre de joyas que habría que ver: “Jesse James contra la hija de Frankenstein”, “Billy the Kid contra Drácula”, “Bela Lugosi encuentra un gorila de Brooklyn”. Al hombre se lo conocía por el apodo “Una toma” (“One-Shot”) porque se limitaba a filmar cada escena una sola vez, más allá de cómo hubiera salido. En un momento de “Design for Dreaming”, a la actriz se le rompe la parte de atrás del vestido y durante el resto de la película se la pasa pisando el jirón de tela.

A pesar de esta marca registrada del director, el corto de GM está lleno de imágenes extrañas y fantásticas, lo que lo hace muy disfrutable. En archive.org hay varias críticas del video y casi todas son positivas, elogiando su creatividad y sus canciones. Pero los fans del filme no son solamente desconocidos de Internet, sino también famosos. La obra de Beaudine aparece en el video de “In Your Eyes” de Peter Gabriel, y también en el clip de “Superconductor” de Rush. El director de este último, Gerald Casale, sostuvo que ama “Design for Dreaming” por su descripción del futuro “que nos prometieron en la década de los 50”.

Las apariciones del corto son muchísimas; estos son solo algunos ejemplos:

  • Un comercial realizado para Super Mario Land 1.
  • La serie de documentales “Pandora’s Box: A Fable From the Age of Science”, de la BBC.
  • Un anuncio para la Power Macintosh realizado en 1994.
  • Un episodio de la serie Mystery Science Theater 3000.
  • En la película “The Game” (David Fincher, 1997) el personaje de Michael Douglas mira “Design for Dreaming” mientras le hacen un examen físico.
  • La película “The Stepford Wives”, de 2004, usa clips del video en su secuencia de títulos.
  • En 2006, la banda Nine Inch Nails pasaba fragmentos del corto durante sus recitales.
  • Hay todo un género de videos en YouTube que toman una canción moderna (Arcade Fire, Magnetic Fields, etc.) y le agregan secuencias de “Design for Dreaming”.

El video tiene una secuela llamada “A Touch of Magic”, realizada en 1961, también musical y también protagonizada por Tad Tadlock. En este filme, aún más extraño que el original, la heroína y su acompañante, James Mitchell, bailan en un modelo de cartón del show Motorama; luego se transportan al pasado donde Mitchell lucha con un monstruo mezcla de dragón y Godzilla (?).

design for dreaming 3

Según el sitio Atlas Obscura, una de las razones para la permanencia del comercial “Design for Dreaming” es su eterno optimismo acerca del futuro. En una de las canciones, Tadlock dice “todos dicen que el futuro es extraño, pero yo tengo la sensación de que algunas cosas no van a cambiar”. Tenía razón. Una de las cosas que no cambió es la popularidad de este video, 61 años después.

(Fuente: Atlas Obscura)